25 Jahre alt: Musiker sprechen über einige ihrer Lieblingsplatten aus dem Jahr 1997

Dec 19, 2023

Manche Jahre scheinen einfach von einem Heiligenschein umgeben zu sein: 1969, 1971, 1991, 2001 – sie alle haben einige der einflussreichsten und gefeiertsten Alben aller Zeiten produziert. Aber wenn über diese Jahre diskutiert wird, bleibt eines zwangsläufig außen vor. 1997 zeichnet sich vielleicht mehr als alle anderen Jahre dadurch aus, dass es ein absolutes Schmelztiegeljahr für die Musik war. Es gab keine Leitästhetik, keine Festlegung auf ein Genre. Es fühlte sich an, als würden wir etwas wirklich Historisches erleben, einen Moment, in dem Künstler wie Radiohead, Ween, Bob Dylan, Company Flow, Daft Punk, Erykah Badu, Missy Elliott und Steve Earle um unsere ungeteilte Aufmerksamkeit wetteiferten.

Doch die Bedeutung des Jahres 1997 geht weit über den Musikkonsum des Durchschnittsbürgers hinaus. Dieses Jahr bot sowohl neuen als auch etablierten Künstlern Inspiration und bot bisher unbekannte Einblicke in noch unvorstellbare Möglichkeiten. Während wir uns jetzt an den 25. Jahrestag des Jahres 1997 arbeiten, fühlte es sich richtig an, zurückzublicken und einige der Alben zu besprechen, die zu Meilensteinen nicht nur des Genres, sondern einer ganzen Musikgeschichte geworden sind. Kommen wir zur Retrospektive von Beats Per Minute aus dem Jahr 1997, aber zunächst schien es angebracht, den Musikern das Wort zu überlassen. Wir wandten uns an einige Künstler und baten sie, zurückzublicken und ein Album aus dem Jahr 1997 auszuwählen, das sie inspirierte, sei es in ihrem Privatleben oder in der Art und Weise, wie sie an ihre Musik herangingen. Und sie hatten ziemlich viel zu sagen.

[Nonesuch/World Circuit]

Als Produzent Nick Gold, Ingenieur Jerry Boys und die Musiker Joachim und Ry Cooder 1996 in Havanna, Kuba, ankamen, müssen die Sterne ernsthaft gestimmt haben. Ursprünglich war geplant, eine kubanische und afrikanische Aufnahmesession zu veranstalten, aber als Musiker aus Mali nicht dazu kamen Aufgrund der Bürokratie verlagerte sich der Schwerpunkt des Projekts. Keine große Sache, oder? Dank Ry Cooders neugierigem Ohr und der Fähigkeit des kubanischen Bandleaders Juan de Marcos González, eine unglaubliche Besetzung einst vergessener lokaler Musiker zu finden, entstand der Buena Vista Social Club. Es ist erstaunlich zu wissen, dass dieser glückliche Zufall nicht nur ein großartiges Album hervorgebracht hat, das einige erstaunliche Musiker und Musikstile hervorgebracht hat, die seit Jahren nicht mehr gehört wurden, sondern auch ein Erwachen der Bedeutung der afro-kubanischen und lateinamerikanischen Musik ausgelöst hat.

Die Erkenntnis aus diesem Album zeigt, wie wichtig es ist, im Moment zu sein und mit dem Strom zu schwimmen. Vielleicht ist das ein Teil des Charmes, den wir hören, wenn wir uns dieses Album anhören und uns in die gefühlvollen Darbietungen von Son Cubano, Guajira, Boleros und Danzón hineinziehen lassen. Als Bassist wird mein Ohr sofort von den melodischen und synkopierten Kontrabasslinien von Orlando „Cachaìto“ Lopez angezogen. Es ist das, was dieser Musik diese Bewegung und den raffinierten Groove verleiht. Die Instrumentierung und Arrangements sowie die Feinheiten der Gitarren und Soli, die im gesamten Album zu hören sind, sorgen für eine kontinuierliche Verspieltheit, die unbestreitbar erhaben ist. Viele meiner Freunde waren sofort von der eleganten Phrasierung und den Soli des Pianisten Rubén González überwältigt. Dann ist da noch der Gesang von Ibrahim Ferrer, Compay Segundo, Omara Portuondo und Eliades Ochoa mit so viel Leidenschaft, dass man gar nicht anders kann, als aufzustehen und sich von den Rhythmen und der Dynamik mitreißen zu lassen.

Man kann die Atmosphäre und die Chemie wirklich spüren und ein Teil dieser Magie liegt darin, wie wichtig der Raumklang bei dieser Aufnahme ist. Ich hatte 2007 die Gelegenheit, mit Amparo Sánchez, einem Singer-Songwriter aus Spanien, in den historischen EGREM-Studios in Havanna zu arbeiten, und als ich mich an denselben Steinway-Klavier setzte, auf dem Maestro González gespielt hatte, konnte ich sofort den Raumklang hören, den ich so gut kannte . Abschließen möchte ich die Geschichte, als ich Eliades Ochoa 2010 beim Womad Festival in Australien traf. Als ich mich vorstellte, sagte ich, dass ich aus Amerika komme, und seine Antwort war: „Ja, wir sind alle Amerikaner.“ Ich denke, das ist ein wichtiger Hinweis, den viele Menschen aus den USA annehmen sollten. Vielleicht kann Musik den Weg weisen.

~Joey Burns, Calexico

[Verschmelzen]

Lambchop's Thriller ist im besten Sinne ein Übergangsalbum. Es ist immer noch dunkel, aber im Sumpf von Nashville beginnen glänzende Hornlinien und Popsongs (drei davon von FM Cornog von East River Pipe) zu schimmern. Der komisch bizarre Doo-Wop von „My Face Your Ass“ (mit einer von Wagners besten Refrainzeilen – „I'll kick your punk rock ass“) würde sich gut in die Wucherung ihrer ersten beiden Alben einfügen, wird aber sofort gefolgt die kraftvollen Soulbläser von „Your Fucking Sunny Day“ und „Hey Where's Your Girl“ von East River Pipe, bevor sie sich für die nächsten drei Tracks wieder in laute (wenn auch schöne) Drones stürzen. Das Album schwankt zwischen Sonne und Schatten, als würde Wayne Whites moosbedeckter Trawler auf dem Cover einen neuen Lambchop aus dem Sumpf der Vergangenheit ziehen, und es ist einer meiner Favoriten in ihrem umfangreichen Katalog.

~Mac McCaughan, Superchunk

[Thrill Jockey]

Im April 1997 fuhr ich die Bedford Ave in Williamsburg, Brooklyn, Richtung Norden entlang. Ich hatte 50 Dollar in der Tasche – und einen Kopf voller idealer bis guter Szenarien. Wollte ich Teil von etwas sein? Das habe ich auf jeden Fall getan. Das war NYC! Unabhängig von der Art des Ausdrucks – visuell, musikalisch, schauspielerisch, komödiantisch – gab es sicherlich eine sympathische Nische zu erkunden und Menschen mit einer gemeinsamen Ästhetik zu treffen. Genauer gesagt, eine Rockband, die einen Schlagzeuger wie mich braucht. Unabhängig davon wäre das Wichtigste zuerst.

Nur wenige Wochen, nachdem ich mein Auto geparkt hatte, verkaufte ich LPs/CDs im Second-Hand-Kleiderladen eines Freundes, dessen Eröffnung ich mit vorbereitet hatte. Zu dieser Zeit kam über Thrill Jockey Records eine Menge populärer, linksgerichteter Musik aus Chicago – der Heimat vieler großartiger Künstler wie Trans Am, Tortoise und The Sea And Cake, die gerade The Fawn veröffentlicht hatten.

Vom Eröffnungstrack bis zum Schluss – eine großartige Stimmung – sanft vorgetragen. Der Klang von Sam Prekops Stimme ließ mich glauben, dass nichts falsch war…. Beim Abspielen der CD passierte oder würde nichts passieren, bis der letzte Titel zu Ende war. Das Rehkitz strahlte eine Leichtigkeit aus – ein höheres Gefühl emotionaler Intelligenz, das für meine Ohren völlig neu war. Alles geliefert von einer Musikalität, die weitreichend war, ohne sich selbst zu beglückwünschen oder unentgeltlich zu sein.

Für mich repräsentiert The Fawn mehr als nur cleveren Klang und Songwriting cleverer Musiker – es wiegt mich in ein wunderschönes, aber falsches Gefühl der Stabilität. Es war das Ergebnis meines Vorhabens.

Bald würde ich meinen Bandkollegen der letzten 22 Jahre, Daniel Kessler, treffen. 1997 war das Jahr, in dem meine Aufnahme im Dunkeln ein noch immer leuchtendes Licht hervorbrachte. Ja – einer großartigen Band beizutreten, die einen Plattenvertrag mit einem der coolsten Indie-Labels der Welt unterschreibt – um dann immer wieder um die Welt zu touren – wäre das Nonplusultra. Dachte ich, dass das so passieren würde? Nein. Zu diesem Zeitpunkt hatte ich das Glück, über ein Einkommen zu verfügen – der Beitritt zu Interpol war fast ein Wunschtraum, der in Erfüllung ging.

Das Rehkitz stellt die neurotische Ruhe vor dem ekstatischen Sturm dar und wird auch über zwei Jahrzehnte später immer noch als solche verharmlost – es erinnert mich daran, wie schön es war, blind, aber treu zu sein, mit nur 50 Dollar auf meinem Namen.

~Samuel Fogarino, Interpol

[Columbia]

ich komme aus Nord-Großbritannien; Sheffield um genau zu sein. Aber ich bin gegangen, als ich ein Kind war, und es hat mir das Herz gebrochen. Für mich war Musik eine Möglichkeit, mit dem Norden in mir in Kontakt zu bleiben. Als diese Platte herauskam, fühlte sich allein schon der Titel etwas Besonderes an. es war so zweckmäßig und schlicht. Es stand sozusagen nur auf der Verpackung, was es sein würde. Ich war bereits ein großer TFC-Fan, als das Album herauskam, aber für mich stellte es einen völlig neuen Abschnitt in ihrem Leben als Band und in meinem eigenen Leben dar. ich war etwas älter. ich war verliebt. und ich fing an, anders über die Zeit nachzudenken. Das ist das Schönste an diesem Album und der gesamten Arbeit von TFC: Sie sind ehrlich darüber, wer sie sind und worüber sie denken; Sie sind ehrlich über die Art der Musik, die sie beeinflusst hat. Sie machen keine Allüren. Sie sind eine Popband aus Nord-Großbritannien. Und weil sie so schön spielen, so gut harmonieren und Texte von so durchdringender Einfachheit und Offenheit schreiben, müssen sie nichts weiter sein. Sie sind keine Rockstars, sie sind Menschen. Und die Musik klingt nicht von Göttern erfunden, sie klingt, als wäre sie von einer Gruppe von Freunden entstanden, die sich lieben, die älter werden und den Klang von Gitarren immer noch lieben. „Ich will keine Kontrolle über dich“ ist das perfekte Beispiel für diese Eigenschaften. Bis heute kann ich es nicht hören, ohne zu weinen. Warum bringt es mich zum Weinen? weil es so nett ist. Es ist so menschlich, so optimistisch und doch realistisch. Und weil die Worte im Refrain „Jeden Tag schaue ich in ein anderes Gesicht“ der beste Hinweis auf eine glückliche Ehe sind, den ich je gehört habe. älter werden. Akzeptiere es, sei ehrlich darüber, wer du bist. aber höre nie auf, in der Möglichkeit des Staunens zu leben; höre nie auf, dich zu verlieben; Hören Sie nie auf, nördlich zu sein. Vergiss nie, was das bedeutet. Das haben mir Teenager-Fanclubs beigebracht. Ich liebe diese Platte verdammt noch mal.

~Torquil Campbell, Sterne

[Hannibal]

Der Klang der Quarantäne war für mich (und vielleicht nur für mich) ein unterschätzter Gitarrist aus Minnesota namens Steve Tibbetts. Das bedeutet standardmäßig, dass Tibbetts oft auch der Sound im Hintergrund war, als ich die Songs für mein erstes Soloalbum Nothing Special in den Wüsten, Bergen und Seeufern Südkaliforniens schrieb, wohin ich gerade gezogen war. Aber wie bei so vielen anderen Musikstücken, die ich beim Schreiben dieses Stücks gehört habe, ist es seltsam schwierig, den Einfluss von Tibbetts zu erkennen. Ich bin mir nicht sicher, warum das so ist. Normalerweise klingen meine Einflüsse eher oberflächlich. Ich vermute, dass ich dieses Mal nicht so viel über klangliche Bezugspunkte nachgedacht habe. Aber ich denke gern, dass es etwas an Tibbetts‘ Geist gibt, das es in „Nothing Special“ geschafft hat, mehr als seine spezifischen musikalischen Manierismen.

Tibbetts ist ein schwer zu fassender Mann. Ich schätze, technisch gesehen würde man ihn als Jazzgitarristen bezeichnen, da so viele seiner Alben auf dem legendären deutschen Jazzlabel ECM erschienen sind. Aber seine Arbeit scheint zumindest teilweise in der amerikanischen Folk-Gitarre im Finger-Stil verwurzelt zu sein, vertieft sich in elektronische und Ambient-Texturen, trägt gelegentlich einen Hauch von Prog-Rock in sich und bedient sich offen Steel Drums, Tabla und Instrumenten, die manche mit der fast abwertenden Bezeichnung „Welt“ assoziieren Musik." Letztendlich ist es diese Glätte, die ich an Tibbetts liebe. Er hat ein wunderbar unmelodisches Gespür für Melodien, eine Art, sowohl aggressiv als auch ruhig zu klingen, und eine Art emotionale Undurchsichtigkeit, die irgendwie sehr berührend ist.

Es gibt auch etwas an Tibbetts' Projekten, das sich auf eine tiefe spirituelle Weise anfühlt, und dies findet seinen offensichtlichsten Ausdruck in seinen beiden Kooperationen mit Ani Chöying Drolma, einer nepalesischen buddhistischen Nonne. Das zweite Album des Duos, Selwa, ist wählerisch und detailliert, eine wahre Arbeit voller Liebe und Sorgfalt. Ihr erstes Werk, „Chö“ aus dem Jahr 1997, fühlt sich für Selwa ein wenig wie ein Probelauf an und malt mit breiteren, verschwommeneren Strichen, hat aber auch etwas verlockenderes Geheimnis. Für Chö machte Tibbetts auf einer Reise durch Nepal einige Aufnahmen von Ani Chöyings buddhistischen A-Capella-Gesängen und brachte sie mit nach Hause, wo er Schichten von Gitarre, Tonbandmanipulation und Handpercussion hinzufügte. Du stellst dir vielleicht eine Art kopflastigen World-Beat-Slop vor, aber das ist ganz entschieden nicht der Fall. Ani Chöyings Gesang ist zwar schön, hat aber eine Art nervöse, gelassene Leere, tröstlich, aber auch ein wenig beunruhigend, und Tibbetts versucht weder, ihre östliche Ausrichtung zu exotisieren noch sie in einen westlichen Kontext zu bringen, sondern ordnet ihre Gesänge stattdessen in diese Art ein sanft verschwommene Traumwelt, ganz von ihm selbst erfunden. Das Ergebnis ist eine der kraftvolleren Sammlungen meditativer Musik, die ich je gehört habe, und sie war etwas, was ich im Jahr 2020 dringend brauchte: Sie tauchte mich abwechselnd in ein warmes und erfrischend kühles Klangbad, während ich versuchte, meine Nerven zu beruhigen und mich der Realität zu stellen die selbe Zeit.

~Will Sheff, Okkervil River

[Universal]

Um fair zu sein, ich war 7 Jahre alt, aber ich erinnere mich, dass ich das immer wieder gespielt habe, als meine Mutter mich zum Fußballtraining fuhr und dachte, es sei die unterhaltsamste und lustigste Musik, die ich je gehört habe. Auch das Albumcover und die Visuals sind mir im Laufe der Jahre mit den leuchtenden, übersättigten Farben und dem übertriebenen Euro-Dance-Stil der 90er im Gedächtnis geblieben. Der Musikstil mag im Hinblick auf die Kritiken nicht besonders gut gealtert sein, aber es gab nur sehr wenige Songs, die man überspringen musste, wenn man sich das Album nacheinander anhörte. Und die Kreativität, das beliebteste Kinderspielzeug der Welt in ein schlüpfriges Euro-Nachtclub-Phänomen-Knalleralbum zu verwandeln, ist der Grund, warum ich an diesem Schwert sterben werde. Das Album von 1997 ist Aquarium von Aqua.

~ Tucker Halpern, Sofi Tukker

[Quecksilber]

„New Forms“ von Roni Size war ein außergewöhnliches Beispiel, vielleicht der Höhepunkt eines sich lange entwickelnden musikalischen Moments in der Tanzmusik, in dem aufregende Fusionen zwischen Drum & Bass, Hip Hop, Jungle, Jazz, Funk und House stattfanden. Das House-Musik-Element war vielleicht das, was mich anfangs am meisten faszinierte, da es Musik gab, die reif war, in Sets in diesem Tempo gemischt zu werden. Manchmal herrlich manisch, manchmal richtig treibende Funk-Rhythmen und manchmal auch zarte Schwebungen in der Luft – die Komplexität und Handwerkskunst dieses Albums machten es 1997 zu einer definitiven Platte für mich.

~Andy Butler, Hercules & Love Affair

[One Little Indian/Elektra]

„Dir wird Liebe geschenkt werden … Vielleicht nicht aus diesen Quellen … Du hast deine Liebe ausgegossen … Vielleicht nicht in die Richtungen, in die du starrst … Dreh deinen Kopf herum. Es ist überall um dich herum.“ Dieser Text lebt mit mir wie ein Gebet. Björks „Homogen“ kam zum perfekten Zeitpunkt in meinem Leben. In einer Zeit der einsamen Wölfe meiner Jugend, einem einsamen Kapitel, aber reich an Wildnis und Entdeckungen. „Homogen“ drückte jede Art von Emotion aus, die ich damals in mir trug, und Björk war gleichzeitig jedes meiner Seelentiere. Dieses Album war mein ständiger Begleiter und Führer, als sie meiner Einsamkeit ihre Welt schenkte. Björk kann, wie nur wenige, ihre Gefühle mit ihrer Stimme durch dich hindurchtragen. „Unravel“ ist eine Decke. „Jóga“ ist Feuer und Eis. „5 Years“ ist mein wildes Streben und „All Is Full Of Love“ ist die freundlichste Art unserer gütigen Königin. „Für dich wird gesorgt. Dir wird Liebe geschenkt. Du musst ihr vertrauen.“ Alles Gute zum 25. und vielen Dank, Björk!

~Jesca Hope

[Jungfrau]

Für meinen Gedenkaufsatz von 1997 musste ich Spiceworld von Spice Girls auswählen. Im zarten Alter von 8 Jahren war Spiceworld das erste Album, das mir verboten wurde. Ich erinnere mich, dass ich Spiceworld unbedingt auf Kassette bei unserem örtlichen Walmart kaufen wollte, nur um von meiner Mutter erfahren zu haben, dass es einfach „nicht erlaubt“ sei. Ich bin in einem religiösen Haus aufgewachsen und Themen der weiblichen Sexualität als Form der Unabhängigkeit wurden nicht toleriert! Diese verbotene Eigenschaft machte Spiceworld zu meinem meistgehörten Album des Jahres 1997. Ich hatte eine kleine geheime Freundeskarte, auf der jeder ein Exemplar von Spiceworld hatte. Während der Sommerferien machte ich mich auf der Karte auf den Weg und meine besten Freundinnen und ich hörten Spiceworld in voller Lautstärke, während unsere Eltern auf der Arbeit waren. Liedtexte wie „Es ist dir egal, wie du aussiehst, es ist nur so, wie du dich fühlst“ ergossen sich in unsere Schlafzimmer, als wir unsere Kisten auspackten, um daraus Notfallkoffer zu machen, oder Stunden damit verbrachten, Freundschaftsketten anzufertigen. Es ist 25 Jahre her, seit ich dieses Album gehört habe, und ich kann 70 % der Texte auswendig aufsagen! Die Botschaft ist so positiv und stark weiblich! Lassen Sie uns wissen, dass Spiceworld mein erstes Punkrock-Erlebnis war, das als algorithmischer Brit-Pop getarnt war. Seine Musik förderte geheime soziale Kreise, in denen kleine Mädchen feministische Hymnen hörten und sich auf die unbekannte Zukunft vorbereiteten. Allein aus diesem Grund sollten Spice Girls in der Punk-Sektion direkt neben The Pagans stehen.

~Haley Fohr, Eye Circuit

[Ntone]

Der Multiinstrumentalist und Komponist Rhys Chatham ist vor allem für seine Gitarrenarmeen und Orchester bekannt. Ich traf ihn zum ersten Mal, als er in den 80er Jahren sein frühes Rockstück „Die Donnergötter“ live im CBGB inszenierte, wobei Mitglieder von Sonic Youth und Band of Susans die Gitarrenarmee bildeten. (Später hatte ich das Glück, an der Aufführung „A Crimson Grail“ mit 200 Gitarristen im Damrosch Park im Lincoln Center im Jahr 2009 und an „A Secret Rose“ für 100 Gitarren in Richmond, Kalifornien, im Jahr 2013 teilzunehmen.) Aber Chatham glänzt auf der Trompete dieses Paar gemeinsamer EPs mit vier Songs aus dem Jahr 1997.

Chatham traf 1982 die Entscheidung, Trompete zu lernen, und erlernte das Instrument als Reaktion auf die Lektüre von Interviews mit anderen neoklassischen Künstlern, die sich in der Presse darüber freuten, dass sie in letzter Zeit Rock und insbesondere die Gitarre in ihre Werke einbezogen hatten. Zu diesem Zeitpunkt hatte Chatham bereits seit 1976 dasselbe getan, nachdem er zuvor als minimalistischer Komponist (hauptsächlich mit Klavier, Gongs und Flöte) und als Mitarbeiter von La Monte Young und Tony Conrad bekannt war. Chatham hielt seine Herangehensweise an die Trompete im Verborgenen, bis er sich 1993 bereit fühlte, mit dem Instrument sowohl öffentlich als auch auf Tonband aufzutreten.

Auf „Neon“ setzte Chatham zusammen mit dem britischen Elektronikkünstler Martin Wheeler (Badly Born Droid, Vector Lovers) das Horn durch Wah-Wah und Verzerrung zusätzlich zu Wheelers Programmierung und verschiedenen Grooves ein. Im selben Jahr tat er sich für Septile auch mit seinem regelmäßigen Partner Jonathan Kane (Swans, Circus Mort, February) und DJ Elated System (Danny Hamilton) zusammen. Die vier Auswahlen heben Rhys‘ Spiel über minimal programmierte Beats und Musique Concrète hervor, wobei sich die Trompete dem Stil von Jon Hassell und Don Cherry nähert. Beide EPs sind, wie alle seine Veröffentlichungen, äußerst fesselnd. „Factor Two Gongs (1971) ist ein einstündiges Stück, bei dem Gongs in unterschiedlicher Intensität eingesetzt werden und an einer Stelle ein gleißendes weißes Rauschen entsteht. Live-Aufnahmen von Stücken mit mehreren Gitarren, darunter Die Donnergötter, Gitarrentrio und A Crimson Grail. Die Sammlung An Angel Moves Too Fast To See: Selected Works (1971-1989) bietet einen tollen Überblick; Das Titelstück beinhaltet Jonathan Kanes unglaubliches Schlagzeugspiel und Ernie Brooks am Bass.

~Doug Gillard, Geleitet von Stimmen

[Duophonisch/Elektra]

Bis 1997 hatte sich Stereolab von kraftvollen Stürmen Moore-artiger Gitarre über Dinger-artige Kraut-Grooves zu Anbietern purer Klangkonfektion entwickelt, wobei jeder Song eine zuckersüße Masse nostalgisch erregender Süße um ein hartes sozialistisches Zentrum herum darstellte, das klangliche Äquivalent zum Ausstopfen eines Kieferbrechers in einem Marshmallow. Beginnend mit „Space Age Bachelor Pad Music“ von The Groop Played aus dem Jahr 1993 kam es zu einer Abkehr vom BIG INDIE GUITAR ROCK-Sound, und plötzlich kamen neue Einflüsse wie Samba, französisches Yé-yé und die emotionale Widescreen-Produktion der Beach Boys hinzu Raum zum Entstehen.

Mittlerweile hatte sich die Gruppe an eine seltsame Art der Plattenproduktion gewöhnt. Wie „Emperer Tomato Ketchup“ aus dem Jahr 1996 wurde „Dots and Loops“ in zwei verschiedenen, durch einen Ozean getrennten Studios und von zwei Produzenten aufgenommen. Stereolab hatte zunächst mit John McEntire (bekannt als einer der multiinstrumentalen Kerne der ehrwürdigen Post-Jazzer Tortoise sowie als angesehener Ingenieur und Produzent) an ihrem vorherigen Album zusammengearbeitet und die Hälfte von ETK mit McEntire in Chicago aufgenommen die andere Hälfte näher an ihrem Zuhause in London. Diesmal wandte sich die Groop an die Mouse on Mars-Mitglieder Andi Toma und Jan St. Werner und drei der zehn Songs wurden mit ihnen in Düsseldorf aufgenommen. Bemerkenswert ist auch, dass dies die erste Stereolab-Aufnahme war, die mit Hilfe digitaler Aufzeichnungen erstellt wurde. Die Möglichkeiten, die dieser technologische Fortschritt bietet, kombiniert mit den zukunftsweisenden Produktionstechniken ihrer Mitarbeiter führten zu einem Album, das nach wie vor ein Kernstück ihrer fast zwei Jahrzehnte währenden Karriere ist.

Das Album beginnt mit dem Klang eines Synthesizers, der ein- und ausklingt, als ob er Mühe hätte, das Band festzuhalten. Bald gesellen sich dazu Andy Ramseys Schlagzeug, treibend und gelassen zugleich, der über die zweitönige Basslinie, die federleichte Tremolo-Gitarre und McEntires Vibraphon tanzt und sich zu einem meditativen Groove verdichtet, bevor ein Snare-Roll und ein Platschen der Becken einläuten der Gesang. Im Laufe der Jahre ist viel über die Gegenüberstellung im Kern von Stereolab gesagt worden, die Art und Weise, wie sie so viele Spielarten wunderschöner, großgeschriebener Popmusik mit Texten kombinieren, die sich mehr mit den Übeln der Gesellschaft befassen als mit so banalen Themen wie Liebe oder anderen Themen Lust, und Sie werden kaum ein klareres Beispiel dafür finden als Brakhage, mit Laetitia, die „[…]so verdammt viele Dinge“ beklagt, die wir brauchen, „um unser dummes Leben am Laufen zu halten“. Klingt nach einer Plackerei? Aber hören Sie sich die Art und Weise an, wie Mary Hansen mit ihrem Hintergrundgesang um den Text tanzt, ihr australischer Akzent die perfekte Ergänzung zu Sadlers französischer Sprache ist, die rhythmische Verspieltheit ihres Auftritts.

Während Tim Gane und Sadler die wichtigsten Songwriter im Zentrum der Band sein mögen, liefert Hansen, der 2002 bei einem Fahrradunfall auf tragische Weise ums Leben kam, den perfekten Kontrapunkt. Ihre Leadgitarre auf „Miss Modular“ windet sich und schlägt wie eine Kobra in einer Blechdose, ihr AM-Radiofrequenzbereich und ihr stechendes 60-Takt-Brummen ragen über den ultrasanften Groove und die raffinierten Arrangements von Sean O'Hagen und Andy Robinson hinaus. „The Flower Called Nowhere“ schwingt sich mit einem dreifachen Klang von Becken und Trap-Sets ein, als wäre es ein Charlie-Brown-Weihnachtsfest, Cembalos erklingen über einer gespenstischen Celesta und steigern sich zu einem Höhepunkt, wo statische Chorakkorde herabsinken und über allem hängen wie ein Scooby-Doo-Geisterkostüm drapiert über einen Avantgarde-Komponisten. „Diagonals“ beginnt mit einem frequenzverschobenen Drum-Loop im 10/4-Takt, der nach oben steigt, bevor er wieder abfällt, Sechzehntel-Marimba-Triller und sich langsam bewegende Horn-Charts über einer dubbigen Basslinie, bevor Ganes charakteristische, durchschlagende Akkorde in die Strophe überleiten. „Prisoner of Mars“ zeigt eine Favela voller Percussion-Instrumente, begleitet von sanft angeschlagener Akustikgitarre, einem pulsierenden Bass und einem Hauch elektronischer Klänge, die alle dazu dienen, die fernen Da Da Da zu umrahmen, bevor sie in den Schatten verschwinden. „Rainbo Conversation“ ist eine Samba-Fantasie, McIntires Vibes stehen im Vordergrund mit den Backing-Vocals im Stereofeld, während Lateitia in der Mitte „sich nach romantischer Leidenschaft sehnt“, obwohl „brennen [ihre] einzige Erwartung ist“. Streicher in Zeitlupe verschwimmen über die sanft durchdringenden Rhythmen, es ist genug, um einem das Herz zu brechen.

Das 17,5-minütige Herzstück des Albums, „Refractions in the Plastic Pulse“, beginnt recht bescheiden, mit einem luftigen Nugget französischen Pops und einer sprudelnden Sample-and-Hold-Leadgitarre, aber etwa nach vier Minuten übernehmen die analogen Impulse die Oberhand. Übergeblendet in eine neue Version desselben Songs, dieses Mal im lebhaften 5/4-Takt, wird McIntires patentierter, eng getakteter Drum-Sound durch eine Vielzahl von Effekten gespeist, um mehr wie eine Drum-Machine zu klingen, als es eine Drum-Machine jemals könnte. Die Impulse übernehmen erneut die Kontrolle, dieses Mal höher, und das, was wie eine echte Drum-Machine klingt, setzt sich durch und stottert durch einen Vocoder-Effekt. Wellen der Frequenzmodulation gleiten über das Stereofeld, während ein E-Piano zitternde Intervalle erklingt. Ein weiteres rhythmisches Zwischenspiel und wir sind wieder am Anfang, nur nicht ganz, wir haben einiges umgekehrt und Elemente der vorherigen Abschnitte mit O'Hagens typischen, schmerzhaften Streicharrangements vermischt, bevor wir langsam in die Stille übergehen und den dritten Seitenwechsel ankündigen.

„Parsec“ ist ein luftiges Stück Farfisa-und-Clav-Drum-and-Bass im 10/4-Takt, als ob so etwas schon immer existiert hätte. Von Zeit zu Zeit verschwinden die gefilterten Breakbeats und lassen den sanften Clave-Funk zurück, während die Hörner entschlossen in den Himmel zeigen, während wir unsere Reise in den Hyperraum fortsetzen. „Ticker-tape of the Uncious“ führt uns auf den Planeten des sanften Funk zurück, dieses Mal mit besonders großzügigen Bläserarrangements. Alle Elemente der Chicago-Sessions sind wirksam, die Trommeln sind zermalmt und matschig und die Synthesizer-Leads sind sinnlich moduliert. „Contronatura“ beginnt in einem Wald voller synthetisierter Insekten, bevor plötzlich Schnee fällt, Ride-Becken und taumelnde Toms. Ein Klavier in der Ferne schlägt die Akkorde, während Letitia fleht: „Mein liebster Freund, geh nicht“, während das Ökosystem (Pflege von Jan St. Werners „Insektenhörnern“ [in der realen Welt als Sampler bekannt]) allmählich wächst. Immer komplexer: Frösche, Vögel, sprudelnde Sümpfe und große ächzende Bäume bewegen sich unter ihrem eigenen Gewicht, bilden Schleifen und Muster, während das Lied dahinter verschwindet, plötzlich Massenbewusstsein erlangt und zu einem Beat verschmilzt. „Dies ist die Zukunft einer Illusion/Aggressive Kultur des Despotismus/Lebende Fantasie des Unsterblichen/Die Realität eines Tieres.“ Zumindest haben sie die guten Manieren, uns auf ein paar Dah Dah Dah Dee Dah Dah's mitzunehmen!

~M. Geddes Gengras

[Kette]

„Flim“ war das erste Lied, das ich je von Aphex Twin gehört habe. Wie es damals üblich war, wurde es fälschlicherweise auf dem Dateifreigabedienst beschriftet, der 2005 in Mode war. Ich lebte wochenlang mit dem Titel „Flim“ auf einer gebrannten CD-R, bevor ich jemals erfuhr, dass es „Aphex Twin“ war. Seitdem gehören dieser Song und das Album, aus dem er stammt, „Come to Daddy“, zu den einflussreichsten Teilen im Aphex Twin-Katalog für meine Musik.

Mehr als Selected Ambient Works, Drukqs oder Richard D. James präsentiert dieses Album alle einzigartigen Eigenschaften von Aphex Twin auf einer einzigen LP. Der einzigartige Cocktail an Stilen, die oberflächlich betrachtet widersprüchlich sind, hat dazu geführt, dass er im Lauf der Zeit auf eine Art und Weise nachhallt, die seine Zeitgenossen nie ganz erreichen konnten. Es gibt eine anhaltende Härte und Weichheit, die in seinen Arbeiten immer präsent sind, die im Widerspruch zu stehen scheinen, sich aber zusammenfügen und mehr als die Summe der Teile ergeben.

Zum Beispiel gehört der Lead-Track „Come to Daddy (Pappy Mix)“ zu den härtesten Musikstücken, die er je gemacht hat, aber er findet einen Weg, bei 2:40 in den wunderschönen Bridge-Abschnitt einzusteigen, der existenziell gegen die Verzerrung ankämpft. Es scheint, als ob er der Tendenz nicht widerstehen kann, Schönheit in der Härte zu finden, gerade wenn es den Anschein hat, als würde sie vielleicht nicht kommen.

In ähnlicher Weise besteht man bei „Bucephalus Bounce Ball“ darauf, die Klangfarbe an eine scheinbar unbequeme Stelle zu drücken, um dann nach anderthalb Minuten die Schwimmweste der Harmonie abzuwerfen – und dann natürlich die letzten Minuten des Liedes damit zu verbringen, die Physik zu simulieren eines Balls, der die Treppe hinunterspringt. Nie zu lange im Himmel oder in der Hölle.

Der Zauber liegt im permanenten Widerspruch von Emotionen, die auf dem Papier einfach nicht funktionieren, im Ton jedoch perfekt miteinander verbunden sind. Ich denke, dass diese kompositorischen Höhen auch in den nächsten Jahrzehnten als Orientierungshilfe für alle jungen Produzenten dienen werden, die sich einen Laptop zulegen.

~James Hinton, The Range

[Wachsausbeutung]

Als unser Freund Kiva diese CD einer unbekannten Band namens Strictly Ballroom von einer Reise nach Kalifornien nach Eau Claire, Wisconsin, mitbrachte, wurde sie für viele meiner Freunde sofort zu einem Klassiker. Wir wussten so gut wie nichts über die Band und wissen es immer noch nicht. Ich habe erst kürzlich erfahren, dass Jimmy Tamborello (Dntel, The Postal Service) Mitglied war und dass einige Mitglieder später Beachwood Sparks gründeten. Aber egal, diese 8 Tracks sind nahezu perfekte Emo/Indie/Post-Hardcore-Qualität, die von Psychedelia durchdrungen ist. Ich kann bestätigen, dass Sie, wenn Sie dieses Album auf LSD mit geschlossenen Augen und still sitzend hören, durch Tunnel voller spiralförmiger Farben rasen werden. Damals eine Seltenheit für ein gitarrenbasiertes Rockalbum und der Grund, warum manche diese Band wegen ihrer Verwendung von Eno-inspirierten Klanglandschaften als Enocore bezeichneten.

„Hide Here Forever“ ist alles, was man sich von einem Emo-Album der 90er wünscht. Der Gesang besteht aus üppigen, langgezogenen Silben mit sanftem Gesänge, das gelegentlich in lautes Wehklagen übergeht. Der Typ, der wie ein hässlicher Schrei klingt. Der Typ, mit dem man allein in seinem Auto schreien möchte. Aber meistens ist der Gesang wie ein Kissen. Lang gehaltene Noten, die über einem perfekten Maß an klirrendem Gitarrenspiel und Bassriffs glitzern, die wie Tag-Team-Wrestler den Lead abwechseln. Ich gebe zu, dass die Texte enttäuschend sind. Ok, manchmal sind sie schmerzhaft. Aber es ist okay. Die Geräusche auf dieser Platte reichen aus, um das Boot zum Schweigen zu bringen, und größtenteils sind die Worte nachvollziehbar genug.

Dieses Album ist unglaublich schwer zu finden, aber ihre gesammelten Aufnahmen können auf einigen Plattformen digital gehört werden. Das Vinyl landet gelegentlich auf dem Discog-Marktplatz, aber das nächste Mal musst du mir zuvorkommen.

~Drew Christopherson, Die Polizei

[Bad Boy/Arista]

Mein Album von 1997 ist definitiv Harlem World von Mase. Es war entweder dieses oder Supa Dupa Fly, aber ehrlich gesagt hat Harlem World mehr Spins von mir bekommen, deshalb bin ich damit besser vertraut. Ich habe meinen Freunden schon einmal gesagt, wenn ich wie alle drei Rapper rappen könnte, dann wäre es Jay-Z bei „Ride or Die“, Cam’ron bei „Welcome To New York City“ und Mase bei „Feels So Good“. . Aber ehrlich gesagt, beim erneuten Anhören glaube ich nicht, dass mir aufgefallen ist, wie viel ich und viele andere Rapper unbewusst von Mase abschöpfen. Ich meine, wir wissen um die coole, entspannte und reibungslose Lieferung. Aber wenn Sie über eine Meisterklasse in der Hitmacherei sprechen wollen … Mann, die Top 5 dieses Albums. Irgendwie kann Mase, ohne es scheinbar überhaupt zu versuchen, aus allem, was er will, ein Zitat machen. „Alle diese Mädchen sind ziemlich gleich, also liegt es nicht am Bleistift, sondern daran, wie du deinen Namen schreibst?“ Wie jemand dieses großväterlich klingende Sprichwort so zitierfähig machen kann, ist nur ein Beweis für die Kunstfertigkeit. Die funky und zurückhaltende Produktion passt einfach perfekt dazu; Nichts ist zu großartig, hauptsächlich nur ein guter Loop, Bass und Schlagzeug. All dies wird durch überzeugende Hooks und Performances rundum verstärkt. Definieren Sie ein Album, das Sie studieren sollten, wenn Sie lernen möchten, wie man einen Hit nach dem anderen kreiert.

~Gais Guevara

[Matador]

Ich bin erst spät zu dieser Platte gekommen – wahrscheinlich acht oder zehn Jahre nach ihrem Erscheinen. Ich arbeitete bei einer Immobilienverwaltungsfirma in West Philly, die die Hälfte der kriselnden Musiker der Stadt beschäftigte – wir wechselten und vermieteten Wohnungen an Ivy-League-Kids, die uns wie „die Hilfe“ behandelten und uns einen gemeinsamen Feind gaben, um den wir uns verbünden konnten. Wir kamen verkatert zur Arbeit und tauschten Mix-CDs (und gelegentlich Demos) aus. Meine Kollegen waren so viel cooler und sachkundiger als ich – ich habe mein Bestes getan, um ihren riesigen musikalischen Wortschatz nachzuholen. Sie ließen verbrannte CD-Rs im Auto liegen – Sachen, die mir damals neu waren: Sonic Youth, The Groundhogs, Superchunk, The Silver Jews, Yo La Tengo und so weiter. Von all dem hatte ich überhaupt nichts auf dem Schirm, da ich die High School und das College abgeschlossen hatte. „I Can Hear the Heart Beating as One“ (zusammen mit „And Then Nothing Turned Ited Itself Inside Out“) klebte wie Klebstoff. Anspruchsvoll, aber einladend. Es ist unscharf und dynamisch, improvisatorisch und kompositorisch zugleich. Hier herrscht ein immenses Gefühl von Freiheit und Synergie. Für mich ist „Shadows“ -> „Stockholm Syndrome“ -> „Autumn Sweater“ das Herzstück des Albums. Es ist ein Wettersystem, das stetig von zart zu expansiv übergeht – mit spektakulärem Songwriting bei jedem Schritt. Kein Ton fehl am Platz. Dieses Album erschien 1997, aber für mich versetzt es mich direkt in das Jahr 2005 – als ich in einem roten Ford Focus mit heruntergelassenen Fenstern und heruntergedimmter Lautstärke durch Philly fuhr.

~Dave Hartley, Nightlands/The War on Drugs

[Kapitol/Parlophon]

1997 lebte ich mit allen drei Wrens zusammen. Wir waren vor kurzem aus unserem ersten Bandhaus geworfen worden und lebten in einer kleinen Wohnung in Weehawken, New Jersey, die direkt an der Spitze der Lincoln-Tunnel-Helix liegt, die nach New York führt. Es war ein voll ausgestattetes Bandhaus, in dem die Hitze konstant bei milden 30 Grad herrschte, wir unter einer Plage von schwarzen Wasserwanzen litten, keine Tür zu den Zimmern hatte und unser Kühlschrank von einer alten Bassgitarre verschlossen wurde. Ein Jahr zuvor, 1996, veröffentlichten wir unser zweites Album „Secaucus“. Wir waren völlig pleite und fuhren mit unserem GMC Turn Van durch die USA, um unser Album zu unterstützen. Es war auch das Jahr, in dem wir unseren Millionenvertrag aufgegeben haben, um unserer Musik treu zu bleiben. Es war also eine sehr interessante Zeit für uns. Ich war schon immer ein Radiohead-Fan, aber es gab etwas zwischen meiner persönlichen Hoffnung, dass unsere Band „es schafft“, und dem intensiven Hype, der OK Computer umgab, der mich einfach NICHT hören wollte. Während ich die Platte bewusst vermied, hörte ich, dass Radiohead am Wochenende des von den Beastie Boys veranstalteten Tibetan Freedom Concert eine geheime Show im Irving Plaza spielen würden. Da ich kein Ticket in der Hand hatte, nahm ich einen Bus nach NYC, fuhr in die Innenstadt zum Irving Plaza und versuchte, ein Ticket zu ergattern. Der Scalper sah mich an und sagte: „Du kannst nicht so dumm sein, wenn du denkst, dass du einen Strafzettel bekommst.“ Ich dachte, wenn ich an der Bühnentür stehen würde, könnte ich mich einschleichen. Das ist nicht passiert. Allerdings sah ich innerhalb von 15 Minuten, als ich an der Bühnentür stand, die Beastie Boys, Blur und dann The-Madonna selbst durch die Seitentür schleichen, um die Radiohead-Show zu sehen. Anscheinend war keiner von ihnen Wrens-Fans, also immer noch kein zusätzliches Ticket. Aber ich sagte: „Ok, es ist Zeit, OK Computer anzuhören.“ Ich ging an diesem Abend nach Hause, hörte mir die Platte an und es veränderte ganz einfach mein Musikleben. Es hat mir geholfen, noch einmal darüber nachzudenken, was eine Platte sein könnte und was ich anstreben sollte, als wir mit den vielen Jahren begannen, die es dauern würde, die Meadowlands-Platte zu machen.

~Kevin Whelan, Aeon Station/The Wrens

[Hannibal/Durstiges Ohr]

Ich habe der zeitgenössischen Musik 1997 nicht viel Aufmerksamkeit geschenkt. Ich verspürte eine instinktive Verpflichtung, in der Vergangenheit zu stöbern und die Dinge, die ich interessant fand, in meinen eigenen, einzigartigen Kombinationen in die Gegenwart zu bringen.

In diesem Jahr wohnte ich acht Häuser weiter entfernt von meinem jetzigen Wohnort. Ich kann mich genau an den Soundtrack dieses Spots erinnern: Alle Neuauflagen von Table of The Elements, Can, Leonard Cohen, Silver Apples, alle Beefheart-Ära und Albert Aylers „Love Cry“. Ich war so ein Kiffer, dass es ewig dauerte, bis mir klar wurde, dass meine Goblin Deep Red-CD und die Profondo Rosso-LP dasselbe Album waren. Ein Jahr vor ihrem ersten Wiedersehen fanden es meine Freunde einhellig exzentrisch, wie viel Bauhaus ich hörte. „Easy Listening for the Hard of Hearing“ von Frank Tovey und Boyd Rice war transformativ, aber ich wusste nichts von der ganzen beschissenen Ideologie.

Danny's hatte dienstags und sonntags Soul Night im The Bottle was Deadly Dragon Sound System. Für mich waren diese DJs allesamt Könige des Geheimwissens. Dusty Groove Records wurde in diesem Jahr eröffnet. Ich habe jede Soul Jazz-Neuauflage studiert, angefangen mit der Nu Yurica-Komposition.

Robert Wyatt ist irgendwie die mühelose Synthese all dieser Dinge. Jedes neue Robert Wyatt-Album war ein großes Ereignis. Jeder, den ich kannte, verbrachte Tage damit, jedes einzelne zu absorbieren und zu analysieren. In den Kreisen, in denen ich tätig war, war das Wissen über die Besonderheiten jedes Robert Wyatt-Albums Voraussetzung für den Einstieg. Ich habe Hunderte von Stunden meines Lebens damit verbracht, über den Gesang von „Pigs (In There)“ zu diskutieren.

Shleep war also das neue Album, das 1997 herauskam und bei mir Anklang fand. Ein paar Jahre später coverten meine Freunde Boas „Free Will & Testament“ und es gefiel mir so gut, dass ich selbst ein Cover ausarbeitete. Robert Wyatt repräsentiert für mich immer noch das lebensbejahende Potenzial der Menschheit. Dass er kein bekannter Name ist, ist ein deutliches Vorwurf der populären Unterhaltungsbranche.

~Tim Kinsella, Cap'n Jazz/Jeanne d'Arc/Owls

[Bettlerbankett]

Es ist kaum zu glauben, dass ich 1997, als ich die Band zum ersten Mal live sah, für eine Eintrittskarte für The Charlatans im Metro in Chicago nur 10 Dollar verdiente.

Tellin‘ Stories, das Album, mit dem sie auf Tour waren, bot eine weitere Portion tanzbarer Rockmusik. Es gab eine Präzision im Schreiben und einen Feinschliff in der Produktion, die es knapp über den gleichnamigen Vorgänger der Platte hinaushoben. „Tellin‘ Stories“ fühlte sich wie eine natürliche Weiterentwicklung der früheren Platten an, mit einem Sound, der die Mischung zu einem herzhafteren, organischeren und reiferen Ergebnis verdichtete.

Mit dem Eröffnungstrack „With No Shoes“ traten The Charlatans die Tür ein und ließen die Zuhörer sofort wissen, dass sie den Rock'n'Roll-Ansatz gegenüber ihren vorherigen Werken noch steigern würden. Die Songs sind voll von der positiven Stimmung, die Tim Burgess immer noch mit einem Lächeln vermittelt und der es immer noch gut schafft, Ihrem Schritt an unbeschwerten Sommertagen beim Spaziergang in der Sonne ein wenig mehr Schwung zu verleihen. Meiner Erinnerung nach ist der Titel „Title Fight“ auf dieser Platte, aber leider ist er tatsächlich auf „The Other Stories“ zu finden, der Begleit-CD mit B-Seiten, die als Beweis dafür dient, wie die Songs in dieser Ära aus der Band hervorgingen.

Ein in Milwaukee lebender Chicagoer Junge und seine gleichgesinnten Freunde waren kaum die Inspirationsquelle für Tellin' Stories, aber das hielt uns bei unserer Arbeit als Macher nicht davon ab, zufällige Texte aus „North Country Boy“ und „How High“ zu rufen. Wir redeten mit übertriebenem englischen Akzent miteinander, während wir mit schweren Möbeln aneinander vorbeigingen, eine perfekte Aufhellung unserer bevorstehenden Aufgabe.

Tellin' Stories hat das getan, was viele meiner Lieblingsplatten tun; Ich habe mich im Moment gut gefühlt und fühle mich gut, wenn ich an diese Momente zurückdenke.

~Brian Cundiff, Ganser

[Rockstars töten]

Ich bin mit Saxophon aufgewachsen, ein Jazz-Purist. Als dieser Puritanismus in der High School ins Wanken geriet, verbrannte mir mein Freund Rich eine Kopie von Elliott Smiths „X/O“ und ich entdeckte ein ganz anderes Universum der Musik. Ich war sofort begeistert. Ich ging zurück zu seinen 4-Track-Rekorden und fiel noch heftiger. Die Intimität, die Texte, die in einem Zwischenraum zwischen Traurigkeit und Wut schwebten, der Gesang, der einem ins Ohr flüsterte, halb höhnisch, halb liebevolles Flüstern. Ich war selbst einsam und wütend und nichts beruhigte mich mehr.

Als ich zum ersten Mal versuchte, mir Gitarre beizubringen, verschanzte ich mich mit der alten Akustikgitarre meines Vaters und einer Fülle von Elliott-Tabs, die ich online entdeckt hatte, in meinem Zimmer. Ich konnte kaum etwas davon spielen, aber ich werde nie die Magie vergessen, kleine Stücke dieser Lieder mit meinen eigenen Händen nachzubilden. Der kleine Tonleiterlauf bei „2:45 AM“ war der erste lineare Gitarrenpart, den ich jemals spielen lernte. Wenn ich mich über ein Mädchen freute, das nicht erreichbar war, saß ich stundenlang da und spielte „Say Yes“.

Ich kann „Entweder/Oder“ nicht hören, ohne es zurückzublitzen, aber im Gegensatz zu anderen Platten, die mich zum ersten Mal in diesem verletzlichen Zustand trafen, kann ich es jetzt immer noch auflegen und mich darin verlieren. Die Einfachheit ist zeitlos. Es ist eine Platte, die nicht mehr sein will, als sie ist, nämlich zwölf perfekt stimmungsvolle Aufnahmen wunderschön konstruierter Songs. Elliott Smiths Ruf als trauriger Sack eilt ihm voraus, aber er verschleiert die Tatsache, dass er einer der nuanciertesten und harmonisch anspruchsvollsten Songwriter war, die in den letzten 30 Jahren bekannt wurden. Diese Tiefe wird diese Lieder so lange am Leben halten, wie die Leute Lieder lieben.

~Gabriel Birnbaum, Wilder Maker

[Jungfrau]

1997 war ich 7 Jahre alt und die Spice Girls rockten meine Welt. Glücklicherweise hatten meine Eltern einen großartigen Geschmack und ich war zu dieser Zeit mit Musik wie Björk, Beck und Radiohead in Kontakt gekommen, aber mit alternativer Musik hatte ich erst in meinen Teenagerjahren einen wirklichen Kontakt. Als junges Mädchen hatten die Spice Girls einen großen Einfluss auf mich. Als ich über „Girl Power“ sang, bekam ich zum ersten Mal einen Eindruck vom Mainstream-Feminismus und fühlte mich zum ersten Mal von dieser Idee der Schwesternschaft erleuchtet. Sie waren auch sexy, in ihrer Musik und ihren tollen Outfits. Ich habe den Text nicht immer ganz verstanden, aber zu sehen, wie Frauen ihre Sexualität annehmen, war kraftvoll in einer Kultur, die jungen Mädchen oft beibringt, diesen integralen Teil ihres Wesens zu verbergen oder zu verleugnen. Als ich mir dieses Album anhörte, fühlte ich mich frei – als könnte ich eine Pop-Diva sein und mit meinen besten Freundinnen auf der Bühne tanzen und singen. Tatsächlich habe ich das getan, auf dem Spielplatz und in meinem Schlafzimmer, wo ich mir einen Wedgie verpasst habe, um so zu tun, als ob ich einen sexy Tanga trage, während ich in ein falsches Mikrofon gesungen habe. Wenn ich mir dieses Album noch einmal ansehe, kommt mir der musikalische Inhalt ziemlich wild und leicht chaotisch vor – die Genres sind allgegenwärtig. Aber wenn ich es höre, komme ich zurück zu meinem inneren Kind, das eine Pop-Diva war, bevor die Welt ihr etwas anderes sagte.

~Chelsea Rose

[Elektra]

Letzten Frühling wachte ich auf und belebte mich. Ich habe von der Abenddämmerung bis zum Morgengrauen animiert und nur dann eine Pause gemacht, wenn mein Hund einen Spaziergang brauchte. Ich ging mit ihm zum Fluss hinunter, um Muscheln und kühle Treibholzstücke zu sammeln. Der Sommer in Alexandria fühlt sich so psychedelisch an – der überwucherte Efeu und die Feuchtigkeit. Jeden Sommer, den ich dort verbringe, finde ich ein Album, das dies widerspiegelt.

Die Molluske gibt einem das Gefühl, als würde man unter Wasser leben. Es schafft eine Welt, die einladend und dennoch erschreckend ist. Ich möchte die beschriebenen Kreaturen berühren. Ich möchte über die Muscheln laufen und sogar welche aufsammeln, so wie ich es mit meinem Hund am Fluss mache.

Ween ist eine Band, die ihr eigenes Soundgenre kreiert und dies spiegelt sich im Song „Mutilated Lips“ wider. Die elektrischen und wässrigen Klänge gepaart mit den seltsamen Texten entführen Sie auf einen anderen Planeten. Ich schätze diese weltbildende Qualität, wenn ich mich mit verschiedenen Künstlern beschäftige. Ich ordne Ween in die gleiche Kategorie ein wie MGMT, Animal Collective und Joanna Newsom. Ich glaube nicht, dass sie die gleiche Art von Musik machen, ich denke nur, dass sie Musik machen, die etwas psychedelisch und etwas genrelos ist.

„The Mollusk“ war das Album, das ich hörte, als ich beschloss, nach Los Angeles zu ziehen. Es war das Album, das ich hörte, als ich beschloss, dass ich eine Welt finden musste, die größer als Virginia war. War das etwas vom Album inspiriert? Ich glaube schon. Ich denke, es liegt eine Magie darin, die einen dazu ermutigt, Teile des Lebens zu erkunden, vor deren Erkundung man sich bisher gefürchtet hat. Ich spiele es jeden Sommer.

~Naomi Alligator

[Flydaddy]

Ich bin mit „The Bevis Frond“ zurückgekehrt, lange vor 1997. Mein älterer Bruder hat „Triptychon“ und „Inner Marshland“ für mich aufgenommen, als ich in der neunten Klasse war. Es war 1988. Mein Bruder ging für mehr als ein Jahr ins Krankenhaus, und ich saß in verschiedenen Räumen und in verschiedenen Zuständen und hörte zu und hörte. Ich folgte auch dem Frond, so weit ich konnte, und sammelte unterwegs Importe ein, und 1997 erschien ein Dreifach-LP-Meisterwerk namens North Circular – 26 Songs! – setzte Nick Salomans unglaubliche Serie aus spinnenartigem, schneidigem, klingendem selbstgebrautem Pop und Psych und Düsternis fort. Seine Musik ist aufrichtig, eigenwillig und vollkommen ausbalanciert in einer einzigartigen Kombination aus Psych-Rock-Tradition, DIY-Sound und Selbstbeobachtung. North Circular ist ein zweistündiger Streifzug durch dieses dornige, zarte Labyrinth, das auf Flaum und beschwingter Melodie basiert. Einige Fans und Kritiker scheinen sich auf das außergewöhnliche Gitarrenspiel in Salomans Musik zu konzentrieren, aber ich fühle mich von dem Ganzen hingerissen – die Gitarre ist wie ein vielfarbiger Faden, der hier stickt, dort repariert, aber sie ist nur ein Teil des Teppichs. Für mich war „North Circular“ 1997, am Vorabend von Oneidas erstem Album und ihrer ersten Tournee, auch eine Bestätigung dafür, dass man tut, was man tut, die Musik macht, die man macht, und nach seinen eigenen Vorstellungen alt und seltsam wird. Ich habe immer noch das Band, das mein Bruder für mich gemacht hat, und ich habe immer noch meinen Bruder, und ich habe immer noch Oneida, und irgendwie haben wir immer noch The Bevis Frond.

~Bobby Matador, Oneida

[Kapitol/Parlophon]

Zunächst muss ich sagen, dass ich ein großer Radiohead-Fan der Songs bin, die ich kenne und die ich sehr schätze. Angesichts der Tatsache, dass „OK Computer“ weithin als eines der großartigsten und einflussreichsten Alben seiner Generation gilt, ist es für mich eine Überraschung, dass ich mit dieser Platte noch nicht vertraut bin. Natürlich kenne ich die Klassiker bestens – „No Surprises“ mit seinen ikonischen Melodien und schmerzvollen Texten; „Karma Police“, mit wohl einer der emotionalsten und textlich prägnantesten Brücken aller Zeiten; „Exit Music“, mein persönlicher Favorit, den ich gerne als die offene Wunde der Platte betrachte. Aber als ich heute einen langen Spaziergang machte und OK Computer zum ersten Mal wirklich von vorne bis hinten hörte, musste ich daran denken, was Ed O'Brien, der Gitarrist, über ihren Prozess sagte: „Wir waren einfach.“ Kinder. Es war ziemlich DIY, wir bauten unser eigenes mobiles Studio; wir suchten nach inspirierenden Orten zum Aufnehmen und nicht nach Aufnahmestudios.“ Ich war beeindruckt von der nudelnden, wandernden Qualität von „Airbag“ und „Paranoid Android“; die etwas nachsichtige Zeitumstellung auf 7, über die Berklee-Neulinge sich freuen können; die hartnäckige Fehleinschätzung von „Fitter Happier“ und „Electioneering“; die überfüllten Gitarrenparts, die wie summende Bienen umherschwirren und den Gesang bedrängen, der selbst seinen eigenen lyrischen Inhalt zu verschleiern scheint, um nicht zu viel preiszugeben.

Mein viel besser informierter Freund erzählte mir, dass es in den späten 90ern wahrscheinlich viel Acid-Jazz, Live-Drum-and-Bass und Trip-Hop gab, besonders in Großbritannien – also etwas, das nach kitschigem Schlagzeug klingt Beats und riffige Gitarrenlinien waren zu ihrer Zeit kulturell äußerst innovativ und aufregend. Es ist auch ein Weckruf dafür, wie viele Künstler ich von Radiohead höre. Es bringt mich irgendwie zum Schmunzeln, wenn ich mir die Platte vollständig anhöre, weil ich das Gefühl habe, ihre Jugend ein wenig heraushören zu können, und da ich jetzt in diesem Alter bin, macht es mich glücklich. Sie waren bei der Entstehung dieser Platte offensichtlich so präsent und rücksichtslos, was meiner Meinung nach jeder Künstler erhoffen sollte.

~Victoria-Kanal

[Erstellung/Wiederholung]

Der krankste Maschinenboom, Manis schlammartiger Bass und die wahnsinnig wirbelnde Prahlerei darüber, „Vanishing Point“ von Primal Scream hat mich zum ersten Mal in den Wahnsinn getrieben, als ich es zum ersten Mal unter der Bettdecke mit Kopfhörern hörte.

Ich kam spät zu Vanishing Point und fand ein Exemplar in meiner örtlichen Bibliothek. Als Kind, das in Texas aufwuchs und zu Füßen von SRV und Gatemouth Brown betete, hatte ich keine Ahnung, wer Kowalski war, und hatte auch nichts von dem Film von 1971 gehört, aber das Cover sah so unbeschreiblich cool aus. Dann begann „Kowalski“ zu spielen, der verzerrte Beat setzte ein und Bobby Gillispies geisterhafter Gesang ließ mich glauben. Eine in Glasgow ansässige Band, die ein Konzeptalbum über einen amerikanischen Roadtrip-Film aus den 1970er Jahren schrieb, der auf den Klängen von Dub und Psychedelia basiert, ergab für mich, einen taiwanesischen Einwanderer, der in Houston lebt und Lee Hazlewood aus dem Radio meines Nachbarn hörte, absolut Sinn.

„Vanishing Point“ war mein Tor, eine zeitreisende Enzyklopädie der Galactica, die mich einerseits mit Krautrock, Can und Suicide bekannt machte und mir andererseits eine Zukunft des Gonzo-Maximalismus zeigte, eine, in der Garage, 808 und soziale Kommentare zusammenpassen. Es und seine Fortsetzung, Primal Screams XTRMNTR, haben mich als Songwriter und Musiker tief beeinflusst. Ihre Sounds sind in die DNA jedes Albums eingewoben, das ich geschrieben habe, einschließlich des neuesten Empire Postcards, Songs wie „Taking of a Nation“ mit seinem NEU! Beat, Fuzz-Bass, analoge Synthesizer und das Reversing-Horn-Ensemble tragen stolz ihr Primal Scream-Erbe.

Die apokalyptische Ekstase des zusammenbrechenden Krautrock-Acid-Dub „Vanishing Point“ zeigte mir, wie man bis zum Ende der Welt tanzen kann – und dass Prophezeiungen manchmal am besten zu einem Four-to-the-Floor-Beat und Wellen von Feedback umgesetzt werden können.

„Dieser Radiosender wurde Kowalski genannt … zu Ehren des letzten amerikanischen Helden, für den Geschwindigkeit Freiheit der Seele bedeutet.“

~John Tsung

[Aladdins Höhle des Golfs]

Clinic schien von der ersten Note ihrer ersten EP an genau zu wissen, wer sie waren, was in der Zeit fast ortslos zu sein scheint. Fast alle ihre Markenzeichen sind vorhanden: die samtigen Beats und Gitarrenklänge, die gespenstischen Backing-Vocals, die einfallsreichen kleinen Wendungen und einmaligen Akzente, die sie gleichzeitig wild und wählerisch klingen lassen. Wie die besten Bands sind sie vier unterschiedliche Persönlichkeiten: Carl Tierneys einfallsreiches Schlagzeugspiel, Brian Campbells flinke Bassarbeit, Hartleys markante, spinnenartige Leads (und gelegentliche Klarinettenlinien) und Ade Blackburns knirschende Farfisa und klagende, unheimliche Stimme, die klingt, wenn er singt durch zusammengebissene Zähne zu einem körnigen, unheimlichen, teuflisch eingängigen Gebräu vermischen. Innerhalb von drei Jahren würden sie auf surreale Weise für einen Grammy nominiert und dann vom Mainstream-Radar verschwinden, um (zumindest ästhetisch) bequemer im Untergrund zu leben. Ihre Post-Walking With Thee-Alben werden sträflich übersehen; Für mich sind sie eine der inspirierendsten Bands, die im letzten Vierteljahrhundert in Großbritannien entstanden sind.

~Jonathan Meiburg, Sturmtaucher

[Stabbies and the Rocket-Aufnahmen]

Pumice macht Musik, die wie ein kaputter Roboter klingt, der das einsamste abstrakte Volkslied spielt, das Sie je gehört haben. Die Ein-Mann-Band Stefan Neville dringt tief in die avantgardistische Noise-Welt Neuseelands der späten 90er/00er/10er/20er Jahre ein, aber immer mit einem einzigen Zeh in den Pop eingetaucht. Wie seine Helden von Flying Nun Records und Xpressway-Kassetten, die mich Ende der 90er Jahre verfolgten, weil sie unmöglich zu bekommen waren, hat die Isolation seiner Kunst zum Aufblühen verholfen. Hier ist ein ziemlich frühes Werk, das auf seinem eigenen Label selbst veröffentlicht und später vom neuseeländischen Kult-Noise-CD-R-Label Celebrate Psi-Phenomenon neu aufgelegt wurde, das von Campbell Kneale von Birchville Cat Motel „fame“ geführt wird. Pumices engste Vorfahren wären der frühe Dead C oder Alastair Galbraith, aber sie kamen erst ein paar Jahre früher auf diesen düsteren Planeten. Es gibt einige überraschende Jazzelemente, möglicherweise eine eigenwillige Klarinette und einige Freiformtrommeln und Riffs, auf die Captain Beefheart vielleicht verzichtet hätte. Gesang wird durch eine Blechdose in einen Kerker geschrien. Pumice hat später zugänglichere Sachen gemacht, aber die Freude und Naivität, die hier zur Schau gestellt werden, werden mich immer dazu inspirieren, die Sache lockerer zu machen und etwas Lärm zu machen.

~Glenn Donaldson, Die Rot-, Rosa- und Lilatöne

I'll Take No Chance Near A Volcano (1997) von Pumice

[Geschmacklosigkeit]

Ich kaufte „Von“ von Sigur Rós in der komplett violetten Schmuckschatulle im Jahr 2005 während meiner ersten Reise nach Amoeba während eines Besuchs in LA. Als ich die CD während des Heimflugs einlegte, konnte ich zugegebenermaßen nicht erkennen, um welches Album es sich handelte, im Vergleich zum Lärm des Motors. Die entfernten Schreie mitten im Opener „Sigur Rós“ lösten definitiv ein gewisses diegetisches Unbehagen aus.

Im Vergleich zu den göttlichen Hymnen der nachfolgenden Diskographie von Sigur Rós steht Von allein da, und angesichts der Reihenfolge, in der die meisten Fans es hörten, wirkt das Album wie ein unbeabsichtigter Taschenspielertrick. Auch 25 Jahre nach der Veröffentlichung ist es für mich immer noch eine faszinierende Platte mit einer Reihe fesselnder Berührungspunkte: Musique Concrète, dekonstruierte Calliope, Shoegaze und gespenstische Ambient-Klanglandschaften. Vor allem aber hat Von eine klare Absicht und zeigt einige frühe Ansätze der unverkennbaren, weitreichenden Post-Rock-Vision der Band.

~Thomas Mullarney, Beacon

[Bar/Keine]

Cherry Peel ist unser Lieblingsalbum von Montreal. Die Platte war uns besonders wichtig, als wir „Versions of Modern Performance“ veröffentlichten und auf Tour waren. Gigi hatte die CD in ihrem Auto, bevor irgendjemand von uns einen echten Moment damit hatte, aber seitdem ist sie zu einer unserer am meisten geschätzten CDs geworden. Cherry Peel schafft es, sowohl furchtbar herzzerreißend als auch entzückend zu sein. Jedes Lied auf der Platte eignet sich sowohl zum Schluchzen als auch zum Tanzen. Es ist Pop und doch so seltsam. Es ist selbstbewusst in seinem unbeholfenen und konfessionellen Ton und greift ein universelles Gefühl der Bittersüße auf, das uns während dieses seltsamen Übergangspunkts in unserem Leben wirklich berührt hat. Manchmal scheint es so, als seien die großartigsten Pop-Platten diejenigen, die allen Widrigkeiten zum Trotz wunderbar eingängig sind. Wenn man „Cherry Peel“ wirklich hört, scheint es seiner eigenen Mohnigkeit zu trotzen. Es ist voll von unerwarteten Beatwechseln, unkonventionellen Formen und irritierenden und fragwürdigen kreativen Entscheidungen, aber wir erhalten es als perfektes Pop-Paket. Horsegirl ist stark von dieser Begegnung von Unkonventionalität und Pop beeinflusst, eine Form, die Cherry Peel perfekt umsetzt.

~Reiterin

[One Little Indian Records/Elektra]

Als ich jünger war, waren die Auto-CDs meiner Eltern eine Mischung aus London Calling von The Clash, Sgt Pepper von den Beatles, The Best of Bowie 67-74 und anderen von meinem Bruder und mir bevorzugten CDs, nämlich (aber nicht beschämend) American Idiot von Green Day, aber es enthielt auch Björks Debüt. Es war eine Platte, die gelegentlich komplett abgespielt wurde und die ich seltsam fand, damals vielleicht etwas beunruhigend, aber auch völlig hypnotisierend. Björk war wie nichts anderes, was ich gehört hatte, und ihre Stimme hatte eine Eindringlichkeit und Verspieltheit, die einzigartig und erfrischend war. Es gab keine Gitarren, kein schweres Schlagzeug, sondern Tablas, Violinen und Synthesizer, und ob es mir gefiel oder nicht, ich war völlig süchtig nach Björk.

Im Laufe der Jahre hat sich meine Lieblingsplatte von Björk ständig verändert, aber vor allem fühle ich mich zu „Homogenic“ aus dem Jahr 1997 hingezogen. Ich liebe diese Platte aus vielen Gründen, vor allem aber wegen ihrer Präzision. Jeder Text ist wie ein emotionaler Pfeil, der ins Schwarze trifft, wie „I'm a path of cinders/Burning under your Feet/You're the“ von „Bachelorette“. „one who walks me/I'm your one way street“ oder „Jäger“s „Ich dachte, ich könnte die Freiheit organisieren/Wie skandinavisch von mir“, wo sie mit unseren Ohren spielt; Wir erwarten die Zeile „Wie skandalös von mir“, aber wir werden wieder in die Welt hinausgetragen und ein persönliches Gefühl ist zu einem politischen Statement geworden, das ist nichts anderes als gutes Schreiben!

Die gesamte Aufnahme zeichnet sich durch eine dramatische Instrumentierung aus, die Violinen harmonieren größtenteils auf der Quinte, einem traditionellen isländischen Orchestrierungsstil, und auf der gesamten Aufnahme spiegeln sie Björks aufstrebenden Gesang wider. Die Beats fühlen sich an, als würde der Erdmantel selbst auseinanderreißen. Sie kommen aus Island, einem Land, das vulkanisch unbeständig ist. Das macht Sinn, verliert aber nichts an der Erzählung. Vielleicht lässt sich dieses Gefühl am besten auf Debuts „Aeroplane“ beschreiben: …the Ausbruch/der dich nie im Stich lässt/Ich kann es fühlen!‘. Diese Platte ist immer ein erfrischendes Hörerlebnis, sie ist eine inspirierende und weite Welt.

Als Band sprechen wir oft über Björk und verwenden dabei meist den Satz „Wie hat sie das gemacht?!“ Als Künstlerin ist sie eine eigenständige Persönlichkeit und ihre einzigartigen Modalitäten in Instrumentierung und Struktur sind Dinge, die wir immer versuchen, auf irgendeine Weise aus ihrer Musik herauszuholen (Stehlen ist ein wichtiger Teil des Schreibens, oder?)

~Oliver Offord, Die Umlaute

[Gewidmet]

Wenn es ein Problem mit dem Album „Ladies And Gentlemen We Are Floating In Space“ von Spiritualized aus dem Jahr 1997 gibt, dann ist es, dass der Eröffnungstiteltrack vielleicht einfach zu gut ist. Es ist eine bedeutsame Aufnahme, eines der schönsten Musikstücke seiner Zeit, und am Ende des Titels hat man das Gefühl, eine epische Reise hinter sich zu haben, der man nur schwer folgen kann. Es beginnt mit einem sich leise wiederholenden Mantra und endet in einem riesigen Chor und einem symphonischen Crescendo. Ich habe dieses Album oft aufgelegt und war am Ende des Titels emotional erschöpft. Dennoch würde ich irgendwann feststellen, dass es durch und durch ein außergewöhnliches Album ist und es viele andere Titel gibt, die auf jedem anderen Album herausragen würden. „Come Together“ und „I Think I'm In Love“ erweitern den Blues-Drohne von Spaceman 3 und mischen weitere Gospel- und Orchesterelemente ein; Die Ergebnisse sind für sich genommen ziemlich aufregend. „Broken Heart“ setzt die verträumte Landschaft des Titelsongs fort, während die zweite Hälfte in experimentellen Lärm übergeht und mit dem explosiven „Cop Shoot Cop“ endet. Man kann sich kaum ein Album dieser Ära vorstellen, das auch nur annähernd so abwechslungsreich und musikalisch ambitioniert wäre, und dennoch wirkt nichts davon übertrieben. Die Songs setzen sich stets durch die teils epischen und dichten Arrangements durch, was möglicherweise die größte Errungenschaft des Albums darstellt.

~Jason Quever, Papercuts

[Jungfrau]

Obwohl ich „The Velvet Rope“ als Kind geliebt habe, wurde mir der Umfang dessen, was ich hörte, erst in den letzten Jahren bewusst, als ich es mir noch einmal ansah. Ich habe die CD (von meinem eigenen Taschengeld) nur für die Single „Together Again“ gekauft, die ich mir immer wieder anhören wollte. Aber The Velvet Rope ist so viel mehr als nur ein Vehikel für einen einzelnen Popsong – tatsächlich spiegelt dieser Titel kaum den Rest der emotional komplizierten, oft düsteren, introspektiven und sexuell aufgeladenen Platte überhaupt wider. Es ist schwierig, nur einen Absatz über ein solch facettenreiches Werk zu schreiben. Auch wenn es auf Songwriting, Arrangements und Produktionsauswahl unter der Leitung von Jackson, Jimmy Jam und Terry Lewis beschränkt ist; oder nur über seine erstaunliche Bandbreite an lyrischen Themen (Trauer, häuslicher Missbrauch, sexuelles Vergnügen, Feiern von Queerness, BDSM, AIDS, Masturbation, Online-Beziehungen), es wäre schwierig, dem in nur wenigen Sätzen gerecht zu werden. Obwohl ich einer der berühmtesten Menschen der Welt bin, schrieb ich kürzlich meiner Freundin (und Janet-Anhängerin), der Schriftstellerin Kelly Xio, eine SMS, dass Jackson „immer noch nicht genug Anerkennung dafür bekommt“ (dafür, dass er die moderne Klanglandschaft der Popmusik geprägt hat). Popstars singen und wie sie mit ihren Fans umgehen). Xio antwortete: „Ich denke, die Menschen, die wichtig sind, wissen, dass sie die Königin war.“ Während ihr gesamter Katalog reichhaltig und vielfältig ist, war „The Velvet Rope“ ein Wendepunkt sowohl für Jacksons persönliche Fähigkeit, „in die Tiefe zu gehen“, als auch ein Meilenstein für die Vielfalt der Klänge und Themen, die den Pop der 90er Jahre beeinflussten.

~Katie Alice Greer

[Chemischer Untergrund]

„Young Team“ trägt den treffenden Titel – es ist frech und unvollkommen und gespickt mit Insider-Witzen. Es ist im wahrsten Sinne des Wortes ein Haufen Teenager, die herumvögeln. Dennoch bricht einem die Musik das Herz. „Tracy“ zum Beispiel enthält zwei lange Samples, in denen die Bandmitglieder einander Streiche spielen – einer täuscht den anderen vor, es habe einen Streit gegeben und die Band müsse sich möglicherweise trennen. Ehrlich gesagt ist es nicht so lustig. Aber Sie wüssten nicht, dass sie überhaupt versuchten, lustig zu sein, wenn Sie nicht die Hintergrundgeschichte kennen würden. „Tracy“ klingt nicht wie ein Witz – es ist langsam und stimmungsvoll. Schichten hauchdünner Verzögerungen verdecken die Stimmen der Bandmitglieder wie ein Schleier. Sie klingen ernst.

„Young Team“ war eines meiner Lieblingsalben, als ich in der High School war. Ich zog es an und legte mich einfach auf den Boden, starrte auf die Wand, starrte auf das Licht, das sich über die Decke bewegte, starrte und stellte mir vor, ich sei ein schottischer Junge im Jahr 1997, der mit Dosen kickte und selbstgefällige, melancholische Zigaretten drehte. Es war leicht, sich der Fantasie hinzugeben. Musik löste die Wände – dann veränderte die Welt ihr Gesicht. Ich konnte mich einer Intensität hingeben, von der ich nicht wusste, dass ich dazu fähig wäre. Ich könnte einer Art Zärtlichkeit frönen. Ich stellte mir vor, wie ich nachts mit jemandem, den ich liebte, herumfuhr, immer wieder „Tracy“ spielte und die gleichen Gefühle füreinander empfand wie wir für das Lied. Und dann ist das wirklich passiert.

~Maria BC

[heimlich kanadisch]

Ich habe mehrere Phasen durchlaufen, in denen ich nur Jason Molina gehört habe, aber dieses Album war neu für mich und eine aufregende Entdeckung. Da es nicht auf Streaming-Plattformen verfügbar ist, habe ich mir den Upload des gesamten Teils auf YouTube angehört, ohne herumzuspringen. Seine Debütveröffentlichung als Songs: Ohia ist ungekürzt in der besten Art eines ersten Albums. Molina ist eine von zwei meiner Lieblingsmusikerinnen, die nach Oberlin gegangen sind, mit einer Diskographie, mit der ich mich in der Schule in denselben Maisfeldern in Ohio intensiv beschäftigt habe. (Liz Phair ist die andere.) Die Songs auf diesem Album sind noch formloser und reimloser als spätere Alben, eher mäandrierend als klimatisch und weniger direkt als einige meiner Favoriten wie „Riding with a Ghost“ oder „Lioness“. ." Es fühlt sich an, als würde er für sich selbst singen und nicht für einen Zuhörer, mit einem Mangel an Selbstbewusstsein, der typisch für die ersten Alben ist. Obwohl er erst 23 Jahre alt war, als er es aufnahm, vermitteln die Texte und der Vortrag eine einzigartige Vision, selbstbewusst, langsam und bedächtig. Er erinnert mich an Joanna Newsom in der Art und Weise, wie er winzige Details aus einer tiefen und spezifischen Quelle holt – und so mit wenigen Worten eine unbekannte Zeit und einen unbekannten Ort klar und nah erscheinen lässt. Die Kargheit und das Fehlen eines erwarteten Publikums verleihen dem Album eine Intimität, die spätere Aufnahmen gegen einen größeren Sound und eine kunstvollere Produktion eintauschen. Ich bin so froh, dieses Album gefunden zu haben, vielen Dank, dass du es mir gezeigt hast!

~Dena Miller, Deer Scout

[Roswell/Capitol]

Ich schreibe über The Color and the Shape von Foo Fighters, aber eigentlich schreibe ich über den Song „Everlong“. Als Young Jesus etwa 2006 anfing, waren wir Teenager. Wir trugen passende Kapuzenpullis von American Apparel, die unser Freund im Einkaufszentrum mit dem Schriftzug „Junger Jesus“ bestickt hatte. Wir rauchten Marlboro Lights und tranken Kisten Miller High Life. Wir spielten bis zwei oder drei Uhr morgens Akustikgitarren. Wir hatten sehr spezifische Starbucks-Bestellungen. Wir hörten Alkaline Trio, Brand New, Bright Eyes, Spitalfield, The Academy Is…, Piglet, Wilco, Arcade Fire und Foo Fighters. Früher war mir diese Version von mir, der Band, peinlich und beschämt. Unser Vorstadtgeschmack. Unsere enge Jeans. Wir haben uns selbst so ernst genommen. Ich habe „Everlong“ ZWEIMAL mit einer Akustikgitarre bei einem College-Poetry-Magazin mit offenem Mikrofon gecovert. Ich trage meinen Young-Jesus-Hoodie. Wir nahmen Drogen und wurden ohnmächtig. Es war traurig und dunkel. Aber es war wunderschön. Nach genug Bier umarmten wir uns und sagten „Ich liebe dich.“ Wir schrien im Auto „Everlong“ und weinten. Wir hatten keine anderen Vorbilder für die Emotionen, die wir fühlten, als diese kreischende Musik. Wir haben versucht, es zu leben und haben dabei viel verloren. Einige von uns sind weg. Aber wir hatten echte Freude – und hier schaue ich auf den Michigansee und beginne, ihn zurückzugewinnen. „Everlong“ ist eine Nebensache in der Geschichte, aber wenn ich es in voller Lautstärke höre, ist es das Ganze.

~John Rossiter, junger Jesus

[Hoch]

Ich mochte diese Typen nicht, als ich zum ersten Mal von ihnen hörte. Es war während meines zweiten High-School-Jahres. Jemand, der mir sehr nahe stand, war ein großer Fan von ihnen und zeigte mir dieses Album. Mir fiel es sofort schwer, mich in die Songs hineinzuversetzen und sie waren aufgrund ihrer „Trailer-Trash“-Thematik fast befremdlich. Er überredete mich auch dazu, auf YouTube eine Dokumentation über sie anzuschauen, was ich größtenteils langweilig fand. Der einzige Song, der mir wirklich gefiel, war „Out Of Gas“, der wahrscheinlich der eingängigste und einfachste Song auf der Platte ist. Aber ansonsten habe ich es einfach nicht verstanden. Ich war sogar genervt davon. Es hatte etwas mit ihm zu tun, nicht mit mir.

Ein Schnitt zu mir, ein paar Jahre später, als ich diese Platte ständig in Flugzeugen, Zügen und Autos auf der ganzen Welt hörte. Bei mir hat es richtig Klick gemacht, als wir unsere erste US-Tour in einem Van machten, gerade als wir mitten im Winter durch den verschneiten Mittleren Westen von Seattle nach Minneapolis fuhren. Ich habe mich darauf bezogen. Ich habe es.

Das passiert mir ziemlich oft bei vielen klassischen Platten – ich muss es zum richtigen Zeitpunkt entdecken, sonst reagiere ich äußerst abgeneigt darauf, was, wie ich jetzt gelernt habe, im Grunde dasselbe ist, als wahnsinnig darin zu sein Liebe damit. Und ich schätze, dass das Gleiche auch mit der Person passiert ist, die mich überhaupt erst auf diese Platte aufmerksam gemacht hat. Ich hoffe, es geht dir gut, und es tut mir leid, dass ich ein Stück Scheiße bin. Du hattest Recht, dieses Album ist großartig.

~Orono, Superorganismus

[Kapitol/Parlophon]

Ich glaube, ich habe dieses Album mehr als 1000 Mal gehört. Ich habe mich 1997 perfekt mit diesem Album identifiziert und erinnere mich noch daran, wie sehr ich mir damals Sorgen um meine Zukunft machte. Jetzt schreibe ich es aus Berlin in Deutschland, während ich „The Tourist“ höre. Das Leben ist wunderschoen.

~Takaakira Goto, MONO

[Kette]

Es war im Mai 1997, als ich – ein verrücktäugiger Idiot aus Salford – mit widerwillig fallenden Eiern und aus jeder Körperöffnung sprossenden Schamhaaren – nach Detroit/Düsseldorf im Norden Englands, nach SHEFFIELD, zog. Als ich in Sheffield ankam, wurde mir ziemlich schnell klar, dass das Stadtzentrum (dank Margaret Thatchers Dezimierung seiner gesamten Industrie) bereits den postapokalyptischen Bildern aus dem Film „Threads“ ähnelte – und seine mürrischen, unfähigen, fähigen Bewohner einfach waren Ich warte darauf, dass der Dritte Weltkrieg ihnen den Garaus macht!! Aber was es Sheffield an praktisch allem anderen als rabenschwarzen Humoristen und klinisch depressiven Disco-Tänzern mangelte – das machte es wett, indem es den zukunftsorientiertesten Plattenladen (und Plattenlabel) der Zukunft im Land hatte – WARP RECORDS!

Die erste Platte, die ich dort gekauft habe, kaufte ich allein wegen des Titels – „Work and Non Work“ von himmlischen Psychedelic-/Elektronik-/Sonic-Folk-/Collage-Engeln, BROADCAST! Vom Eröffnungstrack von „Accidentals“ bis hin zu „The Book Lovers“ – ich hatte einfach nichts Vergleichbares zuvor gehört, bizarre Synthesizer-Sounds, jazziges Kraut-artiges Schlagzeug, Fuzzy-Gitarren im 60er-Jahre-Stil, Bandecho und Spezialeffekte. Der Klang echter, wahr gewordener Träume. Was mich an der Platte am meisten faszinierte, war die schöne, nicht aufdringliche Stimme von Trish Keenan. Eine Stimme für mich, die mit der großen Gottheit selbst, Karen Carpenter, mithalten kann. Trish fand mühelos den perfekten Spagat zwischen dem Soundtrack von The Wicker Man, supermelodischen, gruseligen Kinderreimen und 60er-Jahre-Girlgroups wie The Shangri-las. Erst drei Jahre später fand ich heraus, dass es sich um ein Compilation-Album mit frühen Singles und B-Seiten handelte – und dann ließ Broadcast The Noise Made by People (ihr eigentliches Debütalbum) fallen, und seitdem gehören sie praktisch mir Besuchen Sie am Sonntagmorgen den Künstler Ihrer Wahl, meine einzige Gottesdienstkirche.

~Adrian Flanagan, ACID KLAUS

[One Little Indian Records/Elektra]

Eines meiner Lieblingsvideos aller Zeiten ist dieses Sonderinterview im isländischen Fernsehen mit Björk in ihrem Heimstudio, ein Einblick in ihre Welt und ihren Schreibprozess. Der Raum ist größtenteils unmöbliert, abgesehen von einem kleinen Rig, das sie in der Mitte des Raums aufgestellt hat, wo ein Sampler, ein Synthesizer, ein Laptop und Monitore aufgestellt sind. Ich kann mir vorstellen, dass sie hier die meisten ihrer frühen Platten vorgeführt hat, und ich habe immer mit diesem Prozess zu tun gehabt, einen Raum aufgeräumt zu halten, als ob man darauf vertrauen könnte, dass die Werkzeuge eine Erweiterung Ihrer Ideen werden und umgekehrt. Ich hörte Homogenic zum ersten Mal, nachdem Thom Yorke „Unravel“ sein Lieblingslied nannte. Es gibt keine andere Möglichkeit, es zu beschreiben, als zu sagen, dass sich das Lied meisterhaft entfaltet, bis alles offengelegt wird, oder, wie Björk sagt: „Unsere Liebe ist ein Wollknäuel.“ Beim Zuhören war ich sofort überwältigt von ihrer Fähigkeit, das, was man nur als vulkanische Beats bezeichnen kann, nahtlos mit zarten und luftigen Streicharrangements zu verbinden, und von der Art und Weise, wie ihre Songs so gewaltig klingen und sich doch gleichzeitig so intim anfühlen. Die perfekte Sequenz von „Hunter“ bis „5 Years“ ist sowohl großartig als auch herzzerreißend, und ihre Gesangsdarbietung ist gleichzeitig gedämpft und klangvoll. „Immature“ enthält einige ihrer sympathischsten Texte, aber während die Produktion sich dreht und entfaltet, merkt man, dass sie immer und immer wieder dieselbe vierzeilige Strophe mit zunehmender Intensität singt und ihre Unreife eingesteht, indem sie denkt, dass jemand anderes ihr Erfüllung bringen könnte. 25 Jahre später sind diese Klänge für mich immer noch eine wichtige Inspirationsquelle, da sie eine einzigartige Mischung aus der natürlichen Welt und dem Synthetik-Sound darstellen, ein Klang, der so einzigartig für Björk ist. Es ist pures Drama und eines ihrer konfessionellsten Werke, und ich vergesse fast, wie überwältigend es ist, bis ich das nächste Mal darauf zurückkomme.

~Nisa

[wiija]

Ich liebe die seltsame, wunderbare und leicht psychedelische Manipulation der Klänge auf diesem Album. Ich bin immer noch beeindruckt von der erstaunlichen Art und Weise, wie sie durchweg gefundene Klänge verwenden – neben der breiten Palette an Einflüssen, der großartigen Produktion und den sich wiederholenden, strukturellen Percussion-Parts, in denen man sich gerne verlieren kann.

Das Schlagzeug klingt so präsent – ​​erdig, satt und klobig auf den meisten Tracks. Das Album ist erhebend und fröhlich – anmutig, mühelos multikulturell. Es ist so cool, der Kurve voraus zu sein.

„Brimful of Asha“ war eine der ersten Singles, die ich je auf CD gekauft habe. Ich fühlte mich einfach instinktiv davon angezogen, weil es ein hochwertiges Songwriting war und weil das Arrangement interessant war. Meine CD enthielt die Originalversion des Albums und auch den Remix von Norman Cook (den ich auch liebe).

Das Synthie-Riff und der rollende Drum-Part bei „Funky Days Are Back Again“ bringen mich einfach zum Lächeln. Die gesangliche Darbietung dieses Tracks ist ungewöhnlich und ein wirklich brillantes Beispiel einer Killer-Gesangsmelodie.

Das Album ist ein interessanter Flickenteppich aus kulturellen Bezügen, mit so viel Detailreichtum und Intelligenz in der Produktion. Es ist so gut gealtert – ein fließendes, super kreuzfahrttaugliches Werk, das auch nach 25 Jahren nichts von seiner Faszination verloren hat.

~Hellblaue Augenᐧ

ACID KLAUSaeon stationaphex twinaquaBeaconBjorkbroadcastbuena vista social clubcalexicochelsea roseChöying DrolmaCircuit des yeuxcliniccornershopDeer Scoutdj elatedelliott smithfoo fightersganserGhais GuevaraGuided By VoicesHercules & Love Affairhorsegirlinterpoljanet jacksonJesca HoopJohn Tsungjonathan kanekatie alice greerlamb hackenM. Geddes Gengrasmac mccaughanmaria bcmartin Wheelermasemodest Mousemogwaimononaomi AlligatorNightlandsNisaof MontrealOneidaPale Blue EyespapercutsPolicaprimalschreiBimssteinRadioheadreprazentrhys chathamrobert wyattroni sizeshearwatersigur rossofi tukkersongs: ohiaspice girlsspiritualizedstarsstereolabSteve Tibbettsstrictly ballroomSuperorganism Teenager-Fanclub, der Bevis Wedel, die Scharlatane, das Sortiment, die Rottöne, Pinks und Lila, das Meer und der Kuchen, die Umlaute, Tim Kinsella, Victoria Canal, Ween Wilder Maker, wird Sheffyo la Tengo, junger Jesus

Musikliebhaber und Vinyl-Fanatiker. Geht oft ausführlich über seine Liebe zu X-Ray Spex und Bee Gees bis hin zu völlig Fremden. Vermutlich weiß er weniger über Musik, als er denkt.